Mujer

Este cuadro no necesita mucha explicación pero os doy la mía que no tiene por qué ser la única aunque sea yo quien lo ha pintado.

Una mujer que se pone en movimiento y mueve con ella todo lo que la rodea pero que al mismo tiempo, no pierde de vista el pasado (mira ligeramente hacia atrás) ni el peligro de que surja algo que la paralice.

La mano en el bolsillo es símbolo de que también hay quietud, sosiego; representa el momento presente, el que se vive sin dejarlo escapar.

Y la coraza en el pecho, de momento, todavía, imprescindible si quiere seguir adelante.

Como desgraciadamente la escritura no es lo mío (por eso intento expresarme de otras maneras), así lo dejo. Lo pinté al óleo sobre un lienzo de 65 x 80cm.

Composición espacial

Este cuadrito (41 x 32cm) que traigo hoy es de reciclaje.
De vez en cuando pintas y pintas y al final, no conseguido lo que pretendías, coges el lienzo y lo tiras a la basura.

Yo tiré el lienzo pero me quedé con el marco y como tengo guardadas arpilleras de diferentes texturas, también recicladas, recorté una de un saco que fue de patatas y la clavé en el marco conservado así que ya dispuse de un soporte nuevo sobre el que pintar.

Esta vez, para no tener que imprimar la arpillera pues me encantan su color y trama naturales, utilicé pinturas gouache que no necesitan imprimación.

El óleo la necesita siempre. Siempre hay que aislar la superficie a pintar con una capa de acrílico, gesso, cola...para que el aceite del óleo no toque directamente la tela y acabe impregnándola y estropeándola con el tiempo.

El tema es una composición abstracta en la que, partiendo de un sello estampado en negro que tenía la propia arpillera (abajo a la izquierda) me dejé llevar por la música que escuchaba mientras pintaba pero controlando trazos y colores para que la composición resultara compensada, equilibrada y armoniosa a la vez que alegre ya que hoy, por fin, después de bastante tiempo me siento así, animosa y alegre.

Mujer en tonos fríos. Gouache

Hola amigos y amigas de este blog. Aquí ando de nuevo con ganas de hacer algo después de una temporada de no haber estado para muchos trotes.

Vuelvo con un dibujo realizado con pinturas gouache sobre papel de estraza de color gris claro.

Se trata de una composición que representa a una mujer sentada en el suelo laborando y pensando.

Como veis, está pintada en tonos fríos, apenas un poquito de amarillo para conseguir los verdes, nada de naranja o rojo, nada de alegrías, ¿que por qué? pues debe de ser porque todavía, en el siglo XXI, andamos las mujeres peleando porque se nos reconozca, se nos respete, se nos valore, se nos considere. Seguimos sintiendo un frío que nos hiela por fuera y por dentro.

A veces parece que si, que esas batallas están ya ganadas pero de pronto, ocurre algo así como que 5 energúmenos violan a una joven casi niña y nos enfrentamos de nuevo a la cruda realidad. Y otra vez a empezar...

Explosión controlada

Aunque este cuadro lo pinté hace unos meses, refleja perfectamente mi estado de ánimo actual.
Es por eso por lo que con él, me despido por una temporada (espero que no demasiado grande) de los amables lectores de este blog.

Vivo momentos de nerviosismo, preocupación y miedo que intento controlar. En algunos momentos lo consigo, en otros me vencen. Así será durante unos días. Lo acepto y me acepto.

Así somos y reaccionamos, las personas normales de carne y hueso ante situaciones que no están bajo nuestro control. No pasa nada.

El cuadro es un óleo sobre lienzo de 55x46 cm.

Sin palabras. Acrílico sobre tabla

Cuando una no sabe que decir, dibuja o pinta.

Yo me siento tan abochornada por los lamentables sucesos que estamos viviendo estos días en mi país que me he quedado sin palabras.

En mi mano solo tengo mi voto y mi pincel. Del voto haré uso en las próximas elecciones, eligiendo a aquellos que no me han defraudado. Con el pincel, me expreso ahora, dejando salir los sentimientos que no se expresar con las palabras.

Acrílico sobre tabla de 80x80cm

La clave. Técnica mixta

Acrílicos y recortes de periódico sobre tabla.

Perro dispuesto a defender a su amo

No se cuándo podré volver a pintar. Espero que algún día no muy lejano me sea posible.

Mientras tanto, para no dejar morir este blog que con tanta ilusión comencé, seguiré mostrando en él algunas de las obras realizadas en otro tiempo que por una u otra razón, me gustaron o satisficieron personalmente y conservo por ahí.

Este cuadro es de hace unos pocos años. Lo pinté inspirándome en nuestra perrita que nos adoraba y a la que adorábamos pero que ya no está con nosotros.

Es una tabla de 60 x 40cm y está pintado con acrílicos utilizando diferentes técnicas ya explicadas en otras entradas (raspados, frotados, aguadas...)

Lengua trífida. Dibujo con rotring

¡Uff!¡qué perezosa ando! Acabo de darme cuenta de la cantidad de días que han pasado desde que subí la última entrada.

Como este mes no he trabajado nada, os muestro un dibujo de hace muchísimos años, nada menos que del 82.
Me he acordado de él al darle un repaso a la prensa de estos días y a algunos (afortunadamente los menos) comentarios que en twitter han desencadenado las últimas y trágicas noticias.

Está hecho sobre papel satinado con tinta china negra utilizando los rotring.

Formas suspendidas en el espacio

Nunca he podido presumir de ser una persona con gran seguridad en si misma. Es por eso que siempre me he debatido entre lo que me dijeron que estaba bien, lo que los demás piensan que está bien  y lo que a mi me parece que está bien.

Afortunadamente, suele ganar la tercera opción, pero la lucha me deja a veces exhausta y me obliga a pasar una temporada alejada de los pinceles y de los colores.

Cuando comencé a aprender y a familiarizarme con esto de la pintura, hice, como es de suponer, lo que mis profesores me indicaban pero aquí tuve la grandísima suerte de contar, entre ellos, con alguno que jamás me obligó a copiar una lámina o cuadro ajeno y por el contrario, me animó a ser yo misma y alimentó mi creatividad proporcionándome, eso sí, conocimiento de las técnicas.
La pena que siempre he tenido es que aquello duró menos de lo que yo habría deseado por lo que después, he tenido que apañármelas como he podido y ser en muchas cosas autodidacta.

En momentos de inseguridad, hago cuadros figurativos porque me resultan más fáciles y me parece que le gustan más a las personas que me importan, que los "entienden" mejor pero superadas esas pequeñas crisis, vuelvo a lo mío que son las composiciones abstractas en las que persigo sobre todo la armonía y equilibrio.

Sé que es un tipo de pintura que no todo el mundo está en disposición de comprender, disfrutar, sentir o amar pero es la que a mi me satisface, así pues, aquí va otra muestra de lo mismo.

Que el que quiera o pueda, disfrute con ella. Se trata de un acrílico sobre tablero de madera de 60 x 60.

Reflejos a través de la ventana. Tintas

Los reflejos y sombras que proyecta la luz cuando penetra por la ventana siempre ha sido un motivo de inspiración para mi.
Tengo bastantes cuadros y láminas con ese tema pero siempre plasmado de forma diferente.

Esta lámina de hoy la realicé con tinta china de colores y pincel de marta, sin dibujo previo.

La tinta china, al igual que los óleos y otras pinturas, es más o menos transparente u opaca dependiendo del color.
Yo suelo utilizar solamente los tres primarios: carmín, azul y amarillo más el blanco y hacer mezclas con ellos.

El blanco es muy opaco por lo que si se quiere un color nítido y transparente pero muy claro, es preferible diluirlo con agua en vez de mezclarlo con blanco pues éste nos da como resultado colores apastelados.
Para los tonos claros, yo utilicé las dos opciones: blanco y agua.

Bodegón

Este dibujo fue realizado sobre papel de estraza de color gris.

Me gusta mucho este papel para trabajar con  témperas o gouache porque presenta una textura ligeramente áspera, mate y muy absorbente que te permite acabados planos como los que yo buscaba.

Lo he titulado "bodegón" porque el motivo que me lo inspiró fue un conjunto de  botellas y jarrones sobre una mesa.

Persigue un juego de contrastes vivos en una composición circular en la que todo gira en torno a un núcleo central

Paraguas en un rincón

Paraguas en un rincón (Óleo sobre lienzo)

Hace muchos días que no subo nada al blog pero no creáis que ha sido por falta de cosas que mostraros, lo que ocurre es que ¡cómo se me pasa el tiempo! sobre todo ahora, con días largos y hermosos para pasarlos fuera disfrutando del campo, el mar, el sol y ¿por qué no? de la lluvia.
Estos paraguas pertenecen a mi época más rabiosamente "fauvista" y se les nota ¿verdad?

El fauvismo (de "fauve", fiera) fue un movimiento artístico francés que se desarrolló a principios del siglo XX y cuyo representante más conocido fue Henri Matisse cuya obra adoro y al que dedicaré algún día una entrada en exclusiva.

Este movimiento se caracteriza fundamentalmente por el uso del color que se convierte en el protagonista indiscutible de la obra pictórica pasando los demás aspectos a un plano secundario.

Los fauvistas prescindieron del claroscuro, la perspectiva... e intentaron con solo el color conseguir profundidad, volumen, etc... y lo utilizaron muy vivo y plano, buscando con él contrastes armoniosos pero muy fuertes. Contrastes que transmitieran sentimientos y emociones.

Para mi, lo más importante fue esto: que consiguieron desligar el color de la realidad: un sol no tenía por que pintarse amarillo, podía ser verde o de otro color en función de la expresión, el sentimiento y la composición buscadas por el autor.

Interior con botella

Al principio, aunque cueste trabajo creerlo, fue un dibujo realista: una estantería con libros y carpetas en el estudio, una botella encima de la mesa...

La luz entraba a raudales por la ventana y empecé a marcar sobre el dibujo, las sombras que formaba  en la pared, en los muebles, en el suelo...

Luego comencé a simplificar, a eliminar lo que sobraba en la composición, a limpiarla de líneas discordantes o innecesarias y al final, quedó lo que veis que a mi personalmente me satisface bastante y con eso me conformo.

Prácticamente todo el cuadro está trabajado con "reservas" (ya hablé en una entrada anterior sobre esta técnica) que dio como resultado un cuadro muy geométrico, con líneas muy marcadas, al estilo constructivista.

Para hacer la reserva utilizo, como se ve en la foto, tiras de papel adhesivo. La pintura sobre la que se aplica, tiene que estar seca y lo mejor es arrancar la tira nada más depositar el nuevo color.

Para neutralizar la frialdad que podría comunicar tanta línea recta, utilicé una gama de colores cálida y suave con predominio de amarillos y naranjas muy matizados y algo de azul como complementario para crear contraste.

Está  pintado con óleos sobre lienzo.

La niña de María Blanchard

 ¿Conocéis la obra de María Blanchard?

Este cuadro que os muestro hoy, lo pinté fijándome en su “niña con pañuelo” No quise copiarlo tal cual pero sí quise aprender mucho con él. No hay comparación posible entre los dos ni lo pretendo de lejos. El suyo es una obra de arte, el mío un ejercicio de aprendizaje.

María Blanchard fue una pintora santanderina (1.881-1.932) con un alma hermosa y sensible atrapada en un cuerpo deforme, víctima de la crueldad e ignorancia de los niños que se burlaban de ella y de los adultos que la observaban con conmiseración y repugnancia.
Esto la hizo ser una niña triste, solitaria y melancólica y la llevó a concentrarse en si misma y llevar una vida triste y desgraciada.
En 1916, huyendo de la situación asfixiante en la que vivía aquí, se instaló en París llegando allí a ser un miembro relevante de la École de París y haciendo amistad con los grandes pintores cubistas del momento, entre ellos Juan Gris que ejerció sobre ella una gran influencia.

Sus cuadros desprenden una gran emoción contenida, un poso de tristeza que a mi personalmente me conmueve hasta la médula. Son hermosos, tristes y tiernos a la vez.

A lo largo de su trayectoria, atravesó tres fases diferenciadas: una primera realista, otra segunda cubista y otra última de vuelta al realismo.
Su pintura es todo sentimiento, delicadeza, sutileza, elegancia y oficio. Alguien dijo que era un cubismo sin aristas, un expresionismo sin cólera.

Cuadros de María Blanchard. De izquierda a derecha: "Naturaleza muerta" de estilo cubista, "Maternidad" y "Niña con pañuelo"

Elemento incontrolado (pero no del todo) Acrílico sobre tabla

Este es otro pequeño cuadrito de 20cm x 20cm realizado sobre tabla con pinturas acrílicas.

En su ejecución he mezclado diferentes técnicas:

• Empastes: con pintura espesa, aplicada con espátula de forma irregular para conseguir las texturas de la zona gris. Sobre el empaste está realizado el dibujo en relieve.

• Esgrafiado: consistente en raspar la pintura para que aparezca el color que hay debajo (en la zona azul).

• Aguada: con pintura muy diluida aplicada sobre otra capa de pintura más densa (en el elemento inferior rojo).

• Pincel seco: se carga la mínima cantidad de pintura en el pincel para que no se cubra totalmente el color que hay debajo (elemento rojo a la izquierda).

• Frotado: sobre una capa de color ya seca, aplicamos otra nueva capa y antes de que esta seque totalmente, la frotamos de forma que se retira parte de la pintura pero quedan trazos de ella (en el cuadrado de la parte superior).

• Reservas: con cinta adhesiva para conseguir bordes precisos (también en el cuadrado). 

Grito ahogado. Óleo sobre lienzo

El dibujo y sobre todo la pintura, son poderosos medios de expresión y como tales yo los valoro.

Un cuadro puede ser de fácil o difícil ejecución, más o menos vistoso, más o menos original, estar más o menos elaborado…pero siempre será un medio mediante el cual una persona, llamémosle “artista” comunica algo a los demás.

Lo que comunica puede ser una emoción, un deseo, un estado o disposición...Puede ser un grito desgarrador, una paz interior, un susurro melancólico, una reivindicación, un vacío, sensaciones dolorosas o placenteras, la mera descripción de un hecho…

Dicho artista, puede valerse para ello de formas, de colores, de manchas, líneas o contrastes, de figuras reales o imaginarias…

Eso es para mi dibujar y pintar, esa es la razón y la esencia.

Puede que el mensaje transmitido por el ejecutor, no sea el mismo que el recibido por quien lo contempla o que cada persona que lo mira, reciba un mensaje diferente, que a cada uno le diga algo distinto en función de su estado de ánimo, del momento, de la situación, pero lo importante, es que no nos deje impasibles.
Ante una pintura, no necesitamos saber qué significa para quién la pintó (aunque eso nos ayude a entender ciertos aspectos y a situarla en contexto) sino qué me transmite, qué me hace sentir, qué significa para mi.

En la feria

Este cuadro lo pinté con verdadero placer. Pasándomelo bien desde que lo ideé hasta que lo di por terminado.
Quise que expresara alegría y vitalidad, ternura y sensibilidad, emociones y sensaciones, vida.

Está pintado al óleo sobre un lienzo de 23cm x 65cm. Es casi un dibujo coloreado. La pintura está aplicada en capas muy diluidas y finas.

Es un pequeño homenaje a todas esas mujeres que son capaces de olvidar por unos momentos sus preocupaciones e irse a la feria a vivir un momento mágico, a cantar, bailar y divertirse para volver después con nuevos bríos a enfrentarse con los problemas de la vida cotidiana y real.

El concepto de raza es falso. Dibujo con lápices de colores

¿Quién inventó el concepto de “raza”? Cuando  yo era pequeña, en España teníamos hasta “el día de la raza”

Los científicos han demostrado que tal concepto, al menos referido a grupos humanos, es falso, que las razas no existen biológicamente.

Todos los seres humanos pertenecemos al mismo grupo, a una única raza: la raza humana  y algunas diferencias como el color de la piel o del pelo, lo rasgado de los ojos... son solo el resultado de pequeñas modificaciones y manifestaciones genéticas adaptativas.

Lo que nos diferencia a unos grupos de personas de otros son cuestiones sociales y culturales que deberían servir para enriquecernos y mejorarnos y no para aislarnos o hacernos creer superiores o diferentes.

Ya en 1950, un grupo de zoólogos, antropólogos, médicos y anatomistas reunidos por la Unesco declaró que los seres humanos pertenecemos a la misma especie y descendemos del mismo tronco.

Hoy día los estudios genéticos lo confirman.

Este es un pequeño dibujo realizado con lápices de colores sobre papel de acuarela que hice pensando en esto.

Imaginando maldades. Acrílico sobre tabla

A mi me cuesta mucho aceptar "la maldad" entendida como el daño infligido a alguien por puro placer.

Comprendo que alguien haga algo que le beneficie personalmente aunque perjudique con ello a otro (aunque yo procuro no practicarlo) pero el daño sin otro objetivo que el de disfrutar viendo sufrir a los demás, me parece algo enfermizo y antinatural.
Si, antinatural porque en la Naturaleza no creo que se de el caso de otro animal que mate o dañe solo por placer.

En esta pintura esperpéntica traté de darle forma a cómo veo yo a ese tipo de personas, afortunadamente escasas, supongo.

Está realizada sobre una tabla de 20cm x 20cm que cubrí con acrílico blanco mezclado con arena de río, procurando dejar una superficie abrupta.
Lo demás son también acrílicos diluidos con agua, aplicados con pincel plano.

Silueta. Técnica mixta

Este pequeño cuadrito está realizado con lo que los artistas plásticos denominan técnica mixta que consiste en mezclar en la misma obra diferentes tipos de materiales y técnicas.

Utilicé como soporte una tabla cuadrada de 20cm x 20cm que pinté con una base de pintura acrílica de color naranja.

Sobre esa base ya seca, dibujé una silueta que podría recordar el cuerpo de una mujer (sin pretender ser exacta, evidentemente) y, reservando ésta, extendí a su alrededor, acrílico blanco mezclado con arena de río.
Lo hice de forma  que quedase una textura desigual y rugosa.

Sobre el espacio reservado, pegué arpillera de trama muy suelta para que se vislumbrara a su través el color naranja de la base.

Por último, preparé pintura muy diluida con agua y di unos toques de brocha sobre el acrílico blanco y sobre la silueta para darle un poco de color y efecto de volumen.

Autopista hacia el cielo: retrato de una civilización. Óleo sobre lienzo

Yo no creo en el destino pero si en que la suerte y la casualidad tienen mucho que ver en el rumbo que toman nuestras vidas.

Imaginamos "un cielo" una situación ideal a la que aspiramos y en la que invertimos nuestros esfuerzos. Nosotros somos los que construimos el camino hacia ella y la suerte o la casualidad lo convierten en sendero o en autopista.

Puede que un día, contra nuestro deseo, la autopista que hemos construido se tuerza, se desvíe o sencillamente se acabe. Puede que el camino haya estado equivocado desde el principio...

Lara: boceto para un cuadro.

Cuando pinté el retrato de Lara que podéis ver aquí, hice unos cuantos bocetos de fotos diferentes para interiorizar los rasgos de la niña ya que como conté en su momento, no la tenía delante y tuve que basarme en fotos y recuerdos.

La mayoría los tiré porque fueron hechos en el primer papel que pillé a mano y no tenían más intención que la que os cuento pero éste que os muestro hoy me gustó y lo conservé.

Está realizado con acrílicos sobre cartulina blanca.

Recuerdos infantiles. Gouache sobre papel

Cuando yo era pequeña, los niños disponíamos de muy pocos juguetes así que a los que teníamos les sacábamos rendimiento a tope.

Yo tuve, entre algunos otros, una arquitectura de piezas de madera coloreadas que recuerdo con cariño y nostalgia. ¡Cuántas horas inventando, construyendo, imaginando cosas con ella!

A veces, me pongo a pintar o a dibujar y me encuentro sin querer rememorando aquellas bonitas piezas de colores y pienso que quizá mi afición por expresarme a través de las figuras geométricas, lo colores puros y planos y las composiciones a base de líneas venga de aquella arquitectura y todo lo que viví con ella y a través de ella.

Este gouache de hoy es una muestra.

Dos hermanas. Gouache sobre papel

Mi hombro derecho no quiere trabajar.
Pide reposo y se niega a sujetar el pincel en el aire tal como es necesario hacer pintando con el caballete así que aquí me tenéis otra vez con una pintura al gouache que puede hacerse sobre la mesa con el hombro relajado.

Lo cierto es que a mi esta técnica me encanta. Los colores quedan limpios y puros como a mi me gustan, corren ligeros por el papel, secan deprisa, puedes repintarlos si no has quedado satisfecha...son una auténtica gozada.

Y algo muy importante cuando quiere dosificarse el trabajo: la limpieza de pinceles y recipientes es rápida y muy fácil.

El dibujo de hoy está realizado sobre papel de acuarela sin dibujo previo, con trazos rápidos y decididos y sin repintados, con la pintura ligeramente diluida.
Fijaos que colores más luminosos, casi parecen acuarela.

Bodegón con pinturas al gouache

Sigo con los colores al gouache y poco más me queda para deciros sobre ellos que no haya dicho ya pero me apetece mostraros algunos otros trabajos realizados con este material.

Diseñadores e ilustradores los han utilizado mucho porque con ellos podemos conseguir colores planos y opacos pero también transparencias, luces y brillos.

Hay colores totalmente opacos, semitransparentes y transparentes. Con estos últimos, bien diluidos en agua, pueden conseguirse lavados casi como los de la acuarela.

Tienen la ventaja de ser pinturas muy fluidas que se deslizan fácil y suavemente sobre la superficie a pintar.

Secan muy rápidamente y una vez secos, pueden seguir trabajándose sobre ellos.
Y uno puede equivocarse y ponerle solución dejando secar bien la superficie a rectificar y pintando encima con color opaco o humedeciendo dicha superficie y absorbiendo la pintura con una esponja o papel de cocina.

Intersección. Gouache sobre papel

Me gusta mucho pintar con pinturas al agua: témperas o guache.

El gouache y la acuarela son muy parecidos pero hay diferencias muy importantes entre ellos.

Los pigmentos utilizados para fabricar el gouache no están tan finamente molidos por lo que resultan colores con más cuerpo, más opacos, menos luminosos.

Estas características nos permiten pintar superficies planas y colores claros sobre oscuros y también, realizar trabajos de aspecto más sólido y más elaborados que con acuarela.

Si queremos lograr transparencias con los gouaches, podemos hacerlo diluyéndolos mucho con agua y no mezclando con blanco. Claro que nunca serán tan luminosas como las conseguidas con la acuarela.

Se pueden utilizar sobre diferentes tipos de papeles. Ya conté en otra entrada que a mi me gusta el que antiguamente usaban los tenderos para envolver los alimentos y cuando quiero algo más refinado, el papel de acuarela.

Las técnicas más utilizadas con este tipo de pintura son:

• Lavados: con pintura diluida
• Pintura plana: capa de color densa y consistente
• Repintados: colores aplicados unos sobre otros.
• Creación de texturas: rascando, rociando, frotando…
• También permiten corregir errores mejor que las acuarelas: se empapa con agua la zona a corregir y se absorbe la pintura con una esponja o con papel secante.

Algunas de estas técnicas (lavados, pintura plana y repintado) pueden observarse en esta composición que os muestro hoy.

Pensamientos materializándose

Parece un título algo ampuloso el que le puse a este cuadro pero una vez terminado comprendí que era exactamente eso lo que expresaba para mi.

Empecé sobre un lienzo, sin dibujo previo, a pintar con óleo diluido en una mezcla de trementina y unas gotas de aceite de linaza.

Solo quería liberar la mente, disfrutar pintando, combinar colores de forma armoniosa. No tenía otra intención.

Al poco, me vi dividiendo el cuadro en 4 partes, las 4 etapas de la vida: infancia, juventud, madurez y ancianidad y fui cargando cada una de ellas de símbolos con formas y colores.

Hay algo que une a las cuatro como un todo continuo (una casa común, un color base) y algo que las separa y diferencia de forma clara.

En fin, que aunque no nos lo propongamos, nos manifestamos siempre en todo lo que hacemos, decimos, compramos, vestimos... y por supuesto, dibujamos o pintamos.

Dibujar, dibujar y dibujar

Hay muchas personas que disfrutarían un montón dibujando o pintando y no se deciden a hacerlo porque piensan que les saldría mal.

Parece que creen que cada vez que cojan en la mano un lápiz o un pincel deberían transmutarse en un Velázquez o una Sofonisba y si no consiguen una obra de arte como las que ellos conseguían, la tarea ya no merece la pena.

Pues no y no. Estamos muy equivocados si pensamos eso.

También estamos equivocados si pensamos que la primera vez que manejemos una técnica, ha de parecer que llevamos toda la vida haciéndolo.

Mirad este dibujo que os muestro hoy: me trajeron los Reyes una preciosa caja de pinturas de palo de mina blanda, una preciosidad de caja con unos colores maravillosos.

Hasta ese momento yo apenas había pintado con lápices de colores pero no me amilané. Al contrario, lo que vi fue una nueva forma de pasármelo bien y una posibilidad de desarrollar una nueva técnica.

El resultado de los primeros trabajos deja bastante que desear: si os fijáis en la frente de esta mujer, los colores no están muy bien ligados, se notan demasiado los pases de la mina, además, metí la pata con el papel que elegí como soporte: uno de grano excesivamente grueso pero... aprendí, quedé muy satisfecha y me lo pasé muy bien.

A la siguiente vez ya saldría mejor.

Composiciones espaciales. Homenaje a Malevich

Uno de los movimientos de vanguardia en el arte de principios del siglo XX fue el Suprematismo.

Surgió en Rusia junto con el Constructivismo y  es un arte basado en la abstracción geométrica que tiene como objetivo la búsqueda de lo “supremo”, de lo que ha sido despojado de todo lo que no es esencial y puro.

Uno de sus representantes más emblemáticos fue Kazimir Malévich, pintor ruso que evolucionó desde una pintura figurativa de estilo impresonista  hacia el cubismo primero y la abstracción después.

Fue reduciendo los elementos pictóricos al mínimo imprescindible: figuras planas o líneas sobre un plano en el cual parecen flotar y estar suspendidas.

Es muy interesante ese efecto de “flotar en el espacio”  de ser estáticas y a la vez dar la sensación de movimiento o al menos capacidad de movimiento.

Con esta pequeña serie de tres cuadritos que he enmarcado juntos sobre una tabla de color natural, he querido emular a Malevich, rendirle homenaje y expresarme como él nos enseñó a hacerlo pero a mi manera, claro.

Están realizados con acrílicos sobre tabla.

La técnica empleada fue la de pintar capa sobre capa, reservando espacios con cintas adhesivas.

Composición. Óleo sobre tabla

Hace muchos días que no subo nada al blog. Lo he tenido algo abandonado y pido disculpas a los seguidores que sois muy importantes para mi.

Sois importantes porque aunque no os comuniquéis conmigo ni me expreséis lo que sentís viendo mis cuadros, yo si me comunico con vosotros por medio de mis obras y agradezco vuestra paciencia y amabilidad para conmigo y mi trabajo.

Hoy os muestro una composición abstracta que pinté sobre tablero de madera de 57cm x 93cm.

Apliqué primero una capa de acrílico blanco como aparejo.

La dejé muy estirada y lisa para que no presentara textura rugosa.
Lo hice dando dos manos en dirección contraria la una de la otra, con brocha de pintor ancha.

El óleo está aplicado encima, en capas muy finas que se superponen, dejando en ocasiones, ver parte de la capa inferior.

La base acrílica blanca se aprecia también en la parte inferior derecha.

Utilicé brocha plana, ahora más estrecha.

En algunos momentos, diluí la pintura con aguarrás para que goteara un poquito.

Me concentré en la composición y la técnica sin tener en la mente una idea previa que quisiera expresar o simbolizar. Intenté una abstracción pura.

Campesina con pañuelo. Pastel sobre papel

Ésta ha sido una de las pocas veces que he hecho el mismo dibujo en diferentes versiones. Vamos, en una palabra, que me copié a mi misma.

Pero es que esta imagen de una mujer con pañuelo a la cabeza y expresión triste y ajada, la tengo grabada en mi mente desde la niñez.

Así veía yo a las mujeres campesinas de mi zona: tristes, derrotadas, trabajando de sol a sol sin reconocimiento ni apenas compensación.

Cuando escucho por ahí a gente privilegiada ya de cuna, decir que en este país las cosas no han cambiado nada con la democracia, veo que realmente no saben nada de cómo era la vida poco antes de que ellos nacieran...

Para llevar a cabo este dibujo, copié uno anterior y lo pinté con pasteles.

El soporte que utilicé no fue el más adecuado ya que el pastel requiere una superficie más granulosa o rugosa pero bueno, tampoco quedó tan mal.

El dibujo original estaba hecho solo con rotring y puede verse aquí

Collage homenaje a mis amig@s de Montaña

En esta pequeña composición he empleado con toda la intención, materiales de distinta procedencia, materia y textura.

Unos son de cristal, brillantes y de colores vivos; otros como el fondo, ásperos, otros de colores mas discretos y apagados, también texturados como las arpilleras que las hay nuevas, o con sus "achaques" a cuestas.

Quise expresar de la forma más simple y sencilla posible cómo personas de distintas procedencias, profesiones, estratos sociales, maneras de ser...pueden formar un todo heterogéneo pero hermanado, en el que unos se enriquezca con las aportaciones de los otros de forma que resulte de su interacción un grupo armonioso y agradable para todos.

Y cómo no, enseguida supe quién me inspiraba y a quién iba a dedicárselo.

Así pues, el más humilde y sencillo homenaje, cargado de cariño, a mis queridos amig@s de Montaña, un grupo de distintas procedencias (Cantabria, Burgos, Córdoba, Zamora, Leon...), distintas profesiones, diferentes maneras de ser y de vivir que ha (hemos) sabido cultivar y conservar a lo largo de los años, una relación de cariño y amistad en la que se respetan las diferentes maneras de pensar y actuar y en el que todos lo pasamos bien y nos sentimos felices.

Como anécdota, os contaré que las piezas rectangulares pertenecían a un precioso collar que ellos me regalaron hace unos años y que tuve la desgracia de dejar caer al suelo con lo que algunas se rompieron y ¡adiós collar! pero ¡hola cuadrito!

El fondo es una tabla con base de acrílico mezclado con arena de río. Las arpilleras están pintadas con acrílico y luego pegadas con latex. Las piezas de cristal están sujetas con cola de contacto.

Manos que curan. Manos estampadas

El arte de estampar manos sobre las paredes de las cavernas ya lo dominaban nuestros antepasados prehistóricos.
Prueba de ello, son las manos de la cueva del Castillo, en Puenteviesgo (Cantabria) que según los estudiosos, fueron pintadas por mujeres, las primeras mujeres pintoras de las que tenemos noticia.

Yo tenía grandes deseos de emular a mis antepasadas pero por unas u otras razones, nunca acababa de decidirme.
El empujoncito que me faltaba, lo tuve el otro día al observar cómo mi fisioterapeuta disolvía con sus manos el dolor que me atenazaba.

Preparé dos soportes cuadrados: uno para la mano en positivo y el otro en negativo.
El primero es un lienzo que pinté previamente de un color uniforme.
El segundo es una tabla que pinté con acrílico blanco mezclado con arena de río para darle textura y luego coloree con acrílicos muy diluidos.
    
Una vez listos los soportes, dibujé sobre cartulina una mano, de forma que su tamaño coincidiera con el de los soportes.
La recorté y reservé las dos partes: negativo y positivo.

Preparé los colores que me interesaban y diluí las mezclas con agua hasta dejarlas líquidas.
Para el primer cuadro, diluí la pintura con agua hasta dejarla líquida.
Después, coloqué la silueta de la mano recortada sobre el lienzo y pulvericé alrededor con la mezcla
Por último, le añadí con pincel unos ligeros reflejos azules.

La mano en negativo la pinté con pincel.

Libertad (ilusión, fantasía, mito, ensueño) Técnica mixta sobre tabla.

“En medio de una realidad hostil, a veces sucia o infame o tenebrosa…nos protegemos fabricando nuestros pequeños reductos de libertad.

En ellos nos sentimos seguros, libres, etéreos…

Encerrados en nuestra cápsula, ignoramos lo que nos rodea. Allí somos capaces hasta de sentirnos felices…”

Esta podría ser una interpretación aplicada a esta pintura. Es “mi interpretación”, lo que a mí me sugiere una vez terminada pero mientras la realicé, me concentré en los aspectos técnicos y estéticos. 

Utilicé a propósito, colores "sucios" y fríos para rodear con ellos a las ingenuas palomitas de colores limpios y puros.

La técnica empleada es mixta: pinté, raspé, pegué, despegué, recorté...

Utilicé acrílicos, reservando espacios, frotando, raspando, volviendo a pintar…Fue un trabajo bastante arduo que no podría volver a repetir exactamente.

Las “palomitas” son pedazos de madera (esquineras que vienen con los lienzos comprados) pintadas con acrílicos y pegadas con cola.