Colores complementarios. Cómo mirar un cuadro

La doncella de cabellos dorados de Frederick Leighton

Los colores complementarios son los que se hayan situados en el polo opuesto en el círculo cromático: amarillo y violeta, naranja y azul, rojo y verde, etc...
Estos pares de colores se refuerzan entre si de modo que cualquiera de ellos parece más vivo si tiene al lado a su complementario.

Colocados yuxtapuestos, se consigue con ellos el máximo contraste; un contraste armonioso pero impactante.
Sin embargo, si los mezclamos en la paleta en igual proporción, nos resultará un "no color", un gris sucio y si la mezcla la realizamos en proporciones diferentes, el resultado será un color quebrado y suave.

En una composición pictórica, podemos utilizar los complementarios de muy diferentes formas:

• Yuxtapuestos, con el mismo valor (luminosidad) e intensidad
• Con el mismo valor y diferente intensidad
• Con igual intensidad y diferente valor 
• Con diferentes intensidades y valores
• En gradaciones producidas por la mezcla de ambos (como en el cuadro de arriba)

Podemos utilizar también:

Armonías y contrastes. Robot (óleo sobre lienzo)

Los colores, colocados juntos en una composición, interactúan entre ellos influyéndose o modificándose de forma que nuestra percepción respecto a ellos también se modifica.

Nuestro ojo superpone o cambia colores, se fija en unos más que en otros, se adapta al que más tiempo lo impresiona e incluso los mezcla, mandando al cerebro la percepción, no de esos colores sino de esa influencia o mezcla, como descubrieron y utilizaron en sus cuadros los puntillistas.

Un color puede parecer más claro o más oscuro y de mayor o menor extensión, dependiendo de cuál sea el que tiene a su lado. También puede resultar modificado por su complementario si éste se encuentra próximo a él.

A base de armonías y contrastes, creados teniendo en cuenta todo esto, establecemos entre los colores de una composición, una relación cromática que produzca el efecto estético que deseamos.

Para conseguir equilibrio y armonía con los colores, manejamos cantidades, intensidades, pesos, tensiones, contrastes, predominancias, recurrencias, ubicaciones… coordinando todo ello entre sí.

Pintar es fácil. Conseguir armonía con los colores, no tanto…

Cuando te planteas un cuadro, puedes pretender representar alguna escena de la vida real o simplemente (pero no tan simple) armonizar colores y formas para que resulten en un TODO armonioso y agradable a la vista y al intelecto.

Los atributos del color

Los colores tienen unos atributos, cualidades o características propias que son parte esencial de su naturaleza.

Esas características son tres:

• El color propiamente dicho, llamado también matiz. Por ejemplo, el verde.
• El valor, que está determinado por el grado de claridad u oscuridad. Por ejemplo, verde claro
• La intensidad o grado de viveza o apagamiento. Por ejemplo, verde claro apagado.

Para identificar con exactitud un color, observamos estas características y decimos: "aquí pondré un amarillo muy claro pero bastante apagado".

Para aclarar un color, lo mezclamos con blanco o amarillo o con un color más claro que forme parte de él. También podemos conseguirlo diluyendo la pintura.
Hay que tener en cuenta, si empleamos el blanco, que el color quedará amortiguado. El rojo por ejemplo, se tornará rosa.

Para oscurecer un color, podemos hacerlo con negro pero ¡cuidado! el negro lo apaga y lo ensucia. Mejor hacerlo con uno de los colores oscuros del círculo cromático: azul o violeta.
Yo nunca uso el negro para oscurecer; odio ensuciar un color.
La mezcla con negro además, puede darnos colores diferentes: el naranja más negro se convertirá en marrón y el amarillo más negro, en verde.

Para conseguir un color vivo, lo usamos puro, sin mezcla, bien opaco o bien transparente o diluido.
Si queremos que parezca aún más vivo, lo colocamos al lado de su complementario, del blanco o del negro.

Para conseguir apagarlo, lo mezclamos con su complementario (su opuesto en el círculo cromático). Esta mezcla ha de ser en cantidades desiguales para que no se convierta en un negro sucio.

Es muy importante observar el grado de claridad y de intensidad para llegar a armonizar bien los colores de un cuadro.

El trabajo que muestro hoy es un estudio de esto que explico y de cómo la armonía entre los colores que componen un cuadro tiene mucho que ver con la utilización que se haga de estos conceptos.

Técnica mixta en plan lúdico

Sigo con actividades lúdico-artísticas, disfrutando mucho con ellas.

Realizo de momento composiciones de pequeño formato que me permiten trabajar cómodamente, casi todo el tiempo sentada.

Utilizo diversos materiales: plancha de ocumen para el soporte, pinturas acrílicas para el color, arpilleras recicladas (en esta ocasión, un saco de castañas del Bierzo) y teselas blancas y azules también recicladas.

Coloreo la chapa de ocumen con pinturas acrílicas muy diluidas en agua para que quede visible la veta de la madera.

Una vez seca, pego sobre ella las arpilleras con látex diluido en agua.

Pinto con pincel de punta plana y recta y con pinturas sin diluir, los cuadrados y rectángulos de colores. Solo manejo blanco, rojo, azul y amarillo y los mezclo para conseguir los diferentes tonos.

Estampo con negro el número 8.
El negro lo consigo mezclando rojo y azul, ambos en parecida proporción, con una pizca de amarillo.
El número es de caucho. Se utilizaban antiguamente para marcar los sacos.

Pego por último las teselas con cola de contacto.

¡Listo! Me gusta cómo ha quedado.

Trabajar sin grandes pretensiones es muy gratificante.

Pones en marcha tus ideas, emociones, conocimientos y ganas de pasarlo bien, todo a un tiempo, con el objetivo de que la acción misma te produzca placer y satisfacción.

Fuerzas compensadas. Arpilleras y acrílicos sobre contrachapado de madera

Este cuadro lo he terminado hoy.
Ahora estoy trabajando con arpilleras y acrílicos a tamaño reducido ya que por condicionamientos ajenos a mi voluntad, tengo que hacerlo sentada pero estoy disfrutándolo y viendo muchas posibilidades.

Con esta composición busqué fundamentalmente equilibrio a base de compensar formas, tamaños, texturas, tonos y disposición en el espacio.
Solo pensé en eso mientras lo ejecutaba y sin embargo, al verlo terminado, veo un simbolismo claro que no explico porque solo sirve para mi.

Comencé haciendo un dibujo en papel aparte que una vez terminado a mi gusto trasladé al soporte.

Pinté con pincel plano de punta recta de diferentes anchos con acrílicos sin diluir.

En algunos espacios, raspé con espátula plana la pintura cuando se encontraba a medio secar.
En otros, pegué con látex trozos de arpillera que coloreé también con acrílicos.

Constructivismo. Grúas en El Astillero

Este pequeño cuadro (un óleo sobre lienzo de 30cm x50cm) pertenece de lleno a mi etapa constructivista, estilo con el que aún me siento más cómoda que con ningún otro.

El Constructivismo, al igual que el Cubismo y el Futurismo, es un movimiento artístico surgido a comienzos del siglo XX.
Aparece en Moscú después de la revolución y los pintores más significativos de este movimiento fueron Kasimir Malevich, Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko y Liubov Popova.

Es un movimiento que evoluciona de la figuración a la abstracción.

La representación del objeto es sustituida por la construcción (de ahí su nombre) de líneas y formas que pueden llegar a la abstracción pura.

En este cuadro, los colores azules y lilas son los del mar y el cielo, los planos del fondo, representan los edificios y construcciones que rodean el astillero y las grúas amarillas (su color real) son los únicos objetos claramente reconocibles.

Retrato a mi manera

Nada que ver este retrato de hoy con el que subí la semana pasada. (Ver aquí)

Aquel era un retrato de estilo hiperrealista en el que yo, como ejecutora, me limité a poner en práctica la técnica correspondiente, tanto con el dibujo como con la aplicación de la pincelada y el color, reproduciendo lo más fielmente posible la realidad plasmada en una fotografía.

El retrato de hoy sin embargo, es una mezcla de simbolismo, constructivismo y abstracción.

Realicé el dibuje sobre el lienzo de forma realista pero "a ojo" pues lo de las reglas de tres no es lo mío y ahí acabó todo parecido con la realidad fotográfica.

Los colores empleados nada tienen que ver con los de un rostro real y las modificaciones llevadas a cabo en el dibujo, exagerando unas partes (como el pómulo), minimizando otras, añadiendo formas, volúmenes y líneas que circundan, encierran o liberan la figura, intentan convertirlo en una visión personal del retratado y de su personalidad.

Mi intención por tanto no era "reproducir" sino "expresar" aunque conservando ciertas partes de realidad para que quien lo vea y conozca a la persona sepa de quién se trata.

Es un pequeño óleo sobre lienzo de 36cm x 28cm.

Retrato hiperrealista

Poniendo orden en los archivos, me he encontrado con la fotografía de este retrato que le pinté y regalé a mi hermana hace unos cuantos años. Fue el primer retrato hiperrealista que pinté con óleos.

Ya he comentado en otras ocasiones que no disfruto especialmente pintando de esta forma pero para mi fue un reto. Era el primero de este estilo, ¿sería capaz? 

Solo busqué reproducir fielmente su rostro y que éste tuviera expresión y vida.

Quedé bastante contenta con el resultado.

El dibujo lo realicé a lápiz de forma meticulosa. Empecé con un ojo, situándolo en el lugar adecuado del lienzo y seguí con los demás elementos importantes de la cara, trasladando las distancias de la foto al cuadro de forma proporcional. Os aseguro que llevé a cabo unas cuantas reglas de tres y que quedé bastante hartita pero tengo que reconocer que el método fue efectivo para este tipo de obra ya que la reproducción fue prácticamente perfecta.

Como veis, este tipo de pintura, no necesita de imaginación, creatividad u otro aspecto intelectual o emocional por parte del ejecutor. Solo paciencia, y técnica.

*El término hiperrealismo se aplica a la pintura o escultura que reproducen fotográficamente la realidad.
El estilo precursor fue el arte pop. Los pintores más sobresalientes de este estilo son, a nivel internacional, Chuck Close y en España Antonio López.

Guido González Velasco: un gran pintor cántabro

¿Conocéis la obra del pintor cántabro Guido González Velasco?

Si la respuesta es no, tendréis la ocasión de conocerlo y disfrutar de sus últimas creaciones el próximo sábado, en Torrelavega donde inaugurará una exposición titulada "Universos"

Si la respuesta es sí, estaréis de acuerdo conmigo en que nos encontramos ante uno de los mejores (no digo el mejor porque no los conozco a todos) pintores que tenemos ahora mismo en Cantabria.

Yo tengo la suerte de conocerlo personalmente desde hace unos cuantos años. Un día, dando un paseo por Hoznayo, me topé con su escuela taller y entré a curiosear. Desde entonces soy incondicional admiradora de su obra.

Guido es, además de una extraordinaria persona,  un gran maestro y un gran artista.

Maestro porque domina todas las técnicas y las pone con sencillez al alcance de todos sus alumnos y artista porque realiza sus obras no solo con auténtica maestría sino con personalidad, gran belleza, fuerza y originalidad.
Sus cuadros se dirigen a la parte emocional de nuestro cerebro, tocan fibra, emocionan, no te dejan impasible.

Aunque tiene en su haber trabajos de diferentes estilos, se le considera un pintor expresionista abstracto.
En sus obras, intuyes o ves muchas veces retazos de realidad: un árbol, un paisaje... pero es una realidad que casi desaparece transformándose en expresión, fuerza, vitalidad, sensaciones…

Las obras que os muestro, exceptuando la primera que es una joya de mi propiedad, pertenecen a una exposición de Guido en la galería de arte Santiago Casar, en 2006. Todos los que deseéis conocer su obra reciente, descubrir su evolución  y disfrutar con su pintura, podéis visitar la exposición de la que hablo. Si sois amantes del verdadero arte, no os dejará indiferentes.

Este sábado, 19 de Noviembre, a las 7,30 tendrá lugar la inauguración de su última exposición, en el espacio Garcilaso de la Vega, en Torrelavega. 
Su hijo Adrián, desde su página de Facebook nos invita a todos.

La exposición podrá visitarse hasta el día 16 de diciembre, de lunes a viernes en horarios de mañana y tarde (de 10 a 1,30 y de 5 a 9)

Composición a base de raspados. Acrílico sobre tabla

¿Qué os parece la pintura que os muestro hoy?

Se trata de un acrílico que pinté sobre la tapa de una caja de madera.

La madera estaba tal cual, sin imprimar, pero esto no era problema ya que mi intención era la de utilizar pintura opaca (para lo que no es necesaria imprimación) y rasparla después con la espátula.

Pinté un fondo opaco con azules y malvas.

Cuando la pintura estuvo a medio secar, tracé los dibujos sobre ella, raspando con una espátula de acero. Debido a la diferencia de secado y a la diferente presión ejercida con la espátula, la pintura no se fue del todo ni en todas partes igual, dejando unas texturas muy interesantes.

La composición fue surgiendo sobre la marcha pero los colores estaban pensados previamente.

Finalicé el trabajo pintando de nuevo con pintura opaca y pincel algunas partes tal como la amarilla y la negra y con semitraslúcida la azul del centro.

El resultado de esta técnica es a mi modo de ver muy rico y un tanto impactante. Tengo que utilizarla más.

El color en una composición: En el bosque (Óleo sobre lienzo)

Hay algunas reglas que conviene conocer a la hora de elegir los colores que utilizaremos en una composición:

En un cuadro, siempre ha de haber un color claramente dominante. Ese será el jefe, el que marque la pauta; los demás estarán supeditados a él y es que la competitividad entre dos colores rompe la armonía.

En esto, se comportan como nosotros.

En un grupo de personas, siempre hay un jefe, un líder, un coordinador, un director… llámalo como quieras: alguien que lleva la batuta.
Si se establece competitividad con otro miembro del grupo, el grupo se resiente, se desestabiliza.

La supeditación al color líder se conseguirá con la utilización de colores que en realidad sean tonalidades con matiz del dominante.

El dominante estará presente en más o menos cantidad, en la mezcla con la que elaboramos los demás colores de la composición. 

Silla cubista (Óleo sobre lienzo)

Yo no soy una persona metódica por naturaleza, sin embargo, las circunstancias de la vida y el trabajo me han obligado a comportarme siempre como tal.

Digo esto para que se entienda un poco mi forma de pintar. Aquí sí que soy la jefa, la que hace lo que quiere, la que no sigue un método, una línea determinada, un estilo marcado.

Afortunadamente, al no pintar para galerías, ni ventas, ni exposiciones, lo hago como me da la gana, como me sale de dentro, como me apetece en cada momento, sin preocuparme si esto venderá, tendrá aceptación o será lo suficientemente bueno.

Es simplemente una forma de expresarme, auténtica, ni buena ni mala; buena para mí que me libera, me enriquece, me satisface y me divierte.
Dicho esto, creo que se entienda por qué paso del constructivismo al realismo, de aquí al expresionismo abstracto y luego vuelvo al cubismo o a la abstracción simbólica. Pinto de todas las formas que me gustan y me permiten conseguir los objetivos que persigo.

Me sirven todos los estilos con los que puedo expresarme.

El cubismo fue un estilo que me impactó profundamente. Los cuadros de Braque, Picasso, Juan Gris, María Blanchard… dejaron en mí una profunda huella.

Fue un movimiento artístico tan rompedor que aún hoy día hay mucha gente que no lo entiende y no lo aprecia pese a estar considerado ya un estilo clásico.

Esta es la silla de mi habitación desde una perspectiva cubista (Óleo sobre lienzo de 46cm x 38cm) Otro día hablaré de este estilo pictórico con más detalle.

Acrílico sobre soporte equivocado

A veces el reciclaje nos juega malas pasadas.

Como ya conté en la página anterior, en algunas ocasiones utilizo cualquier superficie plana que cae en mis manos para pintar sobre ella.
En este caso, utilicé una plancha de madera tan fina, endeble y de mala calidad que cascó casi antes de terminar el cuadro (a la izquierda se le ven las grietas).

Empecé pintando con acrílicos directamente sobre la propia tabla, cosa que, al contrario que con los óleos, si puede hacerse.

Lo ideal sin embargo es dar una primera capa de acrílico sin diluir a modo de aparejo para que la superficie no sea porosa y la humedad no le penetre pero a mi precisamente me gustaba la idea de que la propia madera tuviese visibilidad a través de la pintura por lo que apliqué desde el principio aguadas sobre el tablero.

Con soportes más sólidos lo he hecho y  no ha habido problema pero este se deterioró, se rajó y casi, casi se despedaza.

Como la composición me gusta, la he conservado para quizá algún día hacer algo parecido en otro soporte mejor. Digo parecido porque repetir al pie de la letra una misma cosa, aunque me guste, me resulta odioso.

Os lo cuento para que, "escarmentando en cabeza ajena" no cometáis el mismo error.

Contrapunto. Composición abstracta. Óleo sobre lienzo

Hoy no me siento muy inspirada para comentar el cuadro que os muestro. 

Solo puedo deciros que lo pinté sobre otro anterior que no me gustaba.

Aproveché la textura que le quedó al lienzo para pintar  esas zonas con colores superpuestos y entrevistos.

Cuando las palabras no me salen, cojo los pinceles y me pongo a pintar sin un objetivo predeterminado, solo el de concentrarme en las formas y colores y olvidarme de todo lo demás.

En estas ocasiones, suelo utilizar material reciclado: cuadros viejos, cartones, tableros...

Este fue el resultado de uno de esos días. Quizá ahora, con otro estado de ánimo suavizaría algunos tonos pero no lo haré, la composición es la que es.

¡Todas las armas a la basura! Óleo sobre lienzo

Hoy quiero hablaros de un cuadro que pinté casi en mis inicios, cuando, después de copiar unas cuantas obras consagradas y pintar algunos cuadros como mandaban los cánones,  decidí empezar a pintar a mi manera, como me salía de dentro, vaya.

El tema obedece a mi postura antibelicista y antiarmamentista en las que en aquellos tiempos juveniles era incluso más radical que ahora.

Busqué como modelo algunas escopetas de caza que había por casa, heredadas de los abuelos y las metí sin contemplaciones en el cubo de la basura. ¡Inocente que era una!

Empleé colores casi puros, rabiosos en su intensidad y contraste para reforzar mi repudio al tema.

El resultado fue este óleo de 90cm x 115cm al que le tengo especial cariño y mantengo colgado en una de las paredes del estudio.

Composición abstracta. Acrílico sobre tabla

Termina el mes y me apetece cerrarlo con una de las pinturas que más me gusta hacer: se trata de una composición totalmente abstracta (no una abstracción de la realidad como en otras ocasiones)

Para el dibujo, dejé mi mente en blanco: nada de objetos, figuras o ideas que plasmar.

Me centré única y exclusivamente en líneas y formas que, situadas en la superficie del cuadro, formaran un todo coherente, armonioso y equilibrado.

Dejé que fueran el ojo y el cerebro el que guiaran mi mano hasta que el conjunto me resultó gratificante.

Una vez conseguido el dibujo, preparé el tablero.

Utilicé pintura acrílica blanca mezclada con arena de río para dotarlo de textura.

La extendí con una llana de albañil de forma irregular, procurando conseguir una superficie con “arrugas”.

Cuando esta base estuvo seca, trasladé el dibujo al tablero valiéndome del método de la cuadrícula.

Y después… a pintar, dejando que de nuevo sea mi cerebro el que dirija el trabajo: colores que armonizan, que contrastan, que se apoyan, que se refuerzan, formas que se acercan o se alejan ópticamente gracias al color que las cubre, superposición de tonos que permiten ver lo que hay debajo…

Feliz otoño a todos los lectores del blog. Este cuadro es para vosotros.

Collages con papel de seda y otros

No hace mucho, mostré un pequeño collage (ver aquí) realizado con papeles de seda de diferentes colores.

Fue divertido y emocionante, ver cómo con pequeños trozos de insignificante papel, puedes crear algo bonito, agradable a la vista y a la mente, que te sugiera cosas, que te emocione, que no te deje impasible…

Me lo pasé muy bien haciéndolo y quise explotar un poquillo la idea así que realicé alguno más.

En el que veis aquí arriba, dejé a la vista un trozo del papel del soporte (cartulina blanca) y cubrí el resto superponiendo papeles que se transparentan y se mezclan en la retina dando lugar a tonos diferentes.

La forma de pegarlos, practicando pequeñas arrugas y distribuyendo el pegamento de forma irregular, hizo el resto.

Todos los pedazos fueron rasgados con los dedos.

En esta composición, añadí al papel de seda pedazos recortados de revistas (el círculo y la letra), un rectángulo amarillo de cartulina y tres rectángulos azules de papel charol.

Unos pedazos fueron recortados con tijeras y otros rasgados con los dedos. 

Pintura abstracta y abstracción

(W. Kandinsky)

Ya he comentado en varias ocasiones que soy admiradora y disfrutadora total y absoluta del arte del siglo XX incluyendo las vanguardias y el arte abstracto y que me encantaría ser capaz de transmitir a los que me rodean las emociones estéticas e intelectuales que me provoca.
Tal es así que incluso en mi blog de cocina he publicado varias páginas dedicadas a ello, incluida ésta que, modificada y actualizada, publico hoy en el lugar que verdaderamente le corresponde.

Se trata de un pequeño resumen (que me perdonen los estudiosos del tema).

Fue Wassily Kandinsky, pintor ruso, el que en el año 1910, pintó su primera acuarela abstracta.

Con ella nació una nueva forma de representación artística. Una forma que se atrevió a prescindir de la representación formal de los objetos, de reproducirlos de forma fiel o “fotografiarlos” para centrarse en la expresión de emociones y sentimientos, “cocinando” para ello el cuadro con los ingredientes más puros, con los más puros valores pictóricos: el color, la forma y la textura.

Muchas personas piensan que un cuadro abstracto lo “cocina” cualquiera: coges 100g de rojo concentrado, 250g de amarillo a brochazos y 60g de azul diluído y el horno hace el resto. Pero un cuadro abstracto no es eso. Un cuadro abstracto requiere un profundo conocimiento de la composición, del color, de la técnica, aunque el autor lo ejecute con libertad expresiva. 

Conviene sin embargo diferenciar entre “abstracción” y “abstracto” La abstracción tiene su origen en la realidad. El pintor parte de un objeto real y lo va depurando y resumiendo, va cocinando un “fumet”, un morteruelo… Al final, pueden quedar trazas de la imagen o resultar ésta irreconocible.

Cuando paladeas un morteruelo (u otros platos) ni te imaginas de qué cantidad de carnes o ingredientes está compuesto. 

También el pintor ha podido prescindir de la realidad (ese ingrediente aparentemente tan imprescindible) desde el principio y trabajar solamente con formas y colores que selecciona y elige por su valor y fuerza expresiva.

Paul Cézanne (1839-1906) padre y precursor de todas las vanguardias posteriores, fue el pintor que inició el camino de la simplificación de la forma; buscó en todos los objetos que pintaba su forma geométrica esencial (cubo, prisma, esfera…). Fue un verdadero Ferran Adrià de la pintura, pero su trabajo no fue comprendido en su momento y la crítica le trató con ferocidad.

El cubismo siguió el camino marcado por Cezanne y descompuso o recompuso esas formas puras y esenciales en múltiples fragmentos, intentando así plasmar numerosas perspectivas de lo representado. Algo así como un plato compuesto de los mismos ingredientes preparados de distintas formas y servidas todas en la misma fuente.

Y llegaron las vanguardias. De tener que elegir una vanguardia, yo me quedo con el constructivismo y dentro de él, con una pintora genial: Liubov Popova, una de las artistas más importantes de la vanguardia rusa de principios del siglo XX.

En la pintura de Popova se ve claramente cómo los colores y las formas no se colocan al azar sino que siguen un criterio muy concienzudo, muy racionalizado.

Popova cocina sus cuadros meticulosamente, con formas y colores muy estudiados. No deja nada al azar. No hay una especia espolvoreada por capricho, a ver qué tal queda.

La pintura abstracta, elimina la “historia” o anécdota que nos cuenta un cuadro figurativo y queda así libre para poder representar estados interiores del artista, emociones y sentimientos de gran intensidad tanto intelectuales como espirituales.

Esto es lo que ocurre con la pintura de Rothko. Este pintor americano llega a lo más profundo y esencial, prescinde totalmente de la forma y se centra en el puro color, en su valor luminoso, en sus efectos, en sus combinaciones y contrastes.

Sus cuadros de capas opacas y luminosas de pintura sobrepuesta, emanan una luminosidad, un sentimiento y emoción que van directamente al alma del espectador. No hay nada en el cuadro que te distraiga de la emoción pura que te está transmitiendo. No sé cómo expresar lo que siento contemplando los cuadros de Rothko. Solo puedo decir que cuando tuve la ocasión de contemplar alguno al natural, lloré de emoción.

Otras páginas sobre pintura abstracta:

Composición abstracta: en busca de la armonía

Composición abstracta: acrílico sobre tabla

Equilibrio inestable

Autorretrato emocional

Composición en rojo

Fábrica de sueños. Collage con papeles de seda

Collage con papeles de seda sobre lámina de papel blanco.

Una técnica sin ningún misterio ni dificultad .

Solo se necesita: una idea, un dibujo previo, unos pliegos de papel de seda de diferentes colores, una barra de pegamento, unas tijeras.

Me gusta el papel de seda y los efectos que se consiguen con él: puede superponerse dejando traslucir lo que hay debajo, arrugarse, plegarse, recortarse, rasgarse... Las posibilidades son muchas y muy efectistas.

Dibujos a carboncillo. Técnica.

Dibujo basado en un cuadro de Cezanne

Tengo ganas de que llegue septiembre y con él, algo más de tiempo libre para pintar pero para no dejar abandonado el blog hasta entonces, publico hoy una pequeña recopilación de dibujos a carboncillo que realicé hace muchísimos años para aprender a dibujar, algunos de ellos ya publicados en el blog.

Abuela María

Hice muchísimos pero conservo solo algunos ( los que más me gustaron o mejor me quedaron) pues cada vez que hago limpieza de carpetas, van unos pocos a la basura.

Escultura en la fachada de la Catedral de León

Al mismo tiempo, repaso algunos aspectos de esta técnica:

• Llamamos carboncillos a palitos de madera carbonizada, largos y estrechos. Los hay de diferentes grosores y grados de dureza. Son bastante frágiles y se rompen con mucha facilidad.
• Se aplican directamente sobre el papel, con difumino, frotando con el dedo o una muñequilla de tela de algodón.
• Según la presión que ejerzamos al aplicarlo, conseguiremos tonos más o menos intensos.

Un capitel corintio

• Se pueden afilar en punta o en bisel frotándolos sobre lija fina.
• Son muy buenos para realizar bocetos preparatorios de cuadros que luego irán al óleo o con acrílicos pues una vez realizado el boceto y fijadas las líneas, el carboncillo se retira muy fácilmente con un paño de algodón o con miga de pan.

• También venden barritas de carbón comprimido. Se rompen menos pero son más pastosas ya que el carbón viene mezclado con aglutinante. Hay que usarlo con cuidado ya que no se puede borrar.
• Las barritas son buenas para detalles muy marcados y para conseguir negros intensos y profundos.

• Este carbón comprimido también lo encontramos en forma de lápiz. Los hay de diferentes grados de dureza, desde el extra blando al muy duro.
• Los mejores papeles para dibujar con carboncillo son los de grano medio o grueso ya que agarran mejor y soportan también mejor el difumino y la goma.
• Si realizamos un dibujo entero a carboncillo, después de marcadas las líneas maestras, conviene empezar a trabajar y rellenar por la parte superior de la lámina y avanzar hacia abajo para no correr el riesgo de estropear lo trabajado con la propia mano o manga.

• Los toques de luz se dan al final con la goma.

Con todos los carboncillos hay que usar fijador porque puede borrarse accidentalmente con mucha facilidad.
Así y todo, conviene almacenarlos siempre aislados unos de otros con láminas de papel de seda para que no se estropeen en contacto unas láminas con otras.

Torso de mujer. Óleo sobre lienzo

Llevo unos cuantos días sin coger un pincel en la mano. Tengo varios cuadros iniciados e ideas en la cabeza pero el tiempo se me escurre entre los dedos y no me da de sí.

Espero el mes de septiembre para desacelerar y meterme en la casuca a pintar.

Mientras, os muestro un cuadro que pinté hace años y que a mí me gusta especialmente pues representa mi tipo de pintura más personal, con la que más me identifico: formas, colores, armonías y contrastes, pincelada medida y controlada, todo ello trabajado sobre un dibujo del natural realizado primero a carboncillo.

Dibujo que, como puede observarse, fui desintegrando e impregnando de emociones y sentimientos, utilizando para ello gamas de colores que se oponen y contrastan al máximo sin llegar a molestarse unas a otras. Tensión en el color.

Es un lienzo de 75 x 95 cm pintado con óleos que tengo colgado en mi casa.